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Terry Gilliam (IV): Die Abenteuer des Baron Münchhausen – Fuck Your Reality, Imagination Rulez!

The Adventures of Baron Munchausen

Von Lutz R. Bierend

Fantasy-Abenteuer // „Die Abenteuer des Baron Münchhausen“ bildet den dritten Teil von Terry Gilliams informeller Fantasie(Imagination)-Trilogie, welche nach „Time Bandits“ (1981) und „Brazil“ (1985) hier einen überzeugenden Abschluss findet. Während in „Time Bandits“ ein kleiner Junge von seinen Fantasien in wilde Abenteuer getrieben wird und sich in „Brazil“ ein erwachsener Mann mithilfe seiner Fantasie aus einer unerträglichen Realität flüchtet, erleben wir in „Die Abenteuer des Baron Münchhausen“, wie ein Meister der Fantasie seine Imagination nutzt, um sich die Welt nach seinen Bedürfnissen zu gestalten. Wer sollte dazu besser geeignet sein als der altbekannte Lügenbaron? Dem hatten unter anderen bereits 1943 Hans Albers in der Titelrolle, Erich Kästner als Drehbuchautor (unter dem Pseudonym Berthold Bürger) und Regisseur Josef von Báky in „Münchhausen“ ein Denkmal gesetzt. Nicht nur die treue Anhängerschaft des buntesten Durchhalte-Films des Zweiten Weltkriegs erschwerte es Gilliam, für seine Regiearbeit ein neues Publikum zu finden.

Schneller als Treppensteigen: einfach mit dem Pferd aus dem Fenster springen

Einer der Gründe warum das Werk so unter Wert lief, waren wieder mal (ähnlich wie bei „Brazil“) politische Querelen mit dem Studio. Diesmal vollzog sich während der Produktion von „Die Abenteuer des Baron Münchhausen“ ein Regimewechsel bei Columbia Pictures. Die neuen Verantwortlichen wollten laut IMDb die von ihren Vorgängern begonnenen Produktionen nicht allzu erfolgreich aussehen lassen und nachdem Gilliam sein Budget schon um fast das Doppelte seiner veranschlagten 23,5 Millionen Dollar überzogen hatte, brachte der Verleih den Film in den USA in lediglich 48 Kinos. Bedauerlich, er ist es definitiv wert, von mehr Menschen gesehen zu werden.

Your reality, sir, is lies and balderdash and I’m delighted to say that I have no grasp of it whatsoever.

Auch die Aura des Spießigen die bereits der Name Hieronymus Carl Friedrich von Münchhausen mit sich bringt, war zusammen mit seinen eher klischeehaften Rollenmodellen schon in den 80ern des 20. Jahrhunderts nicht mehr wirklich PC. Außerdem kennt jeder den Ritt auf der Kanonenkugel und die meisten anderen Geschichten die den Lügenbaron in die Literaturgeschichte haben eingehen lassen. Als ich damals die Ankündigung las, dass Gilliam Baron Münchhausen verfilmt, fiel mir die Vorstellung schwer, wie man aus dieser Geschichte noch etwas Sehenswertes herausquetschen kann. Aber zum Glück heißt der kreativere Terry der Monty Pythons immer noch Gilliam, und er hatte schon vorher gezeigt, dass er klassische Themen durch Entschlackung und seine ganz eigene Perspektive faszinierend neu gestalten kann. So inszenierte er den „Jabberwocky“ (1977) aus Lewis Carrolls „Alice hinter den Spiegeln“ ohne die dazugehörigen Alice und das Wunderland, sein filmischer Beitrag zum Überwachungsjahr 1984 kam ohne den Big Brother aus – der erste Arbeitstitel seiner kafkaesken Dystopie „Brazil“ lautete „1984 and ½“. Nun also sollte Baron Münchhausen einer Radikalkur unterzogen werden.

Late 18th Century. The Age of Reason. Wednesday.

Der Film beginnt in einer namenlosen, vermutlich österreichischen Stadt, die von den Türken belagert wird. Es ist das Zeitalter der Vernunft. Mittwoch. Öffentliche Bekanntmachungen empfehlen den Einwohnern, Nahrung zu sparen und es doch mal mit Kannibalismus zu probieren. Die Türken schießen unverschämterweise selbst am Mittwoch die halbe Stadt in Trümmer und die Bevölkerung der belagerten Metropole vertreibt sich die Zeit in einem Theater. Man gibt „Die Abenteuer des Baron Münchhausen“. In seiner Loge bespricht währenddessen der hochwohlgeborene Bürgermeister Horatio Jackson (Jonathan Pryce) mit seinem Stab die Lage und beklagt sich über das unsittliche Verhalten des belagernden Sultans (Peter Jeffrey), weil dieser es wagt, am Mittwoch zu kämpfen. Nebenbei wird ihm ein Offizier (Sting) vorgestellt, der ganz allein sechs Kanonen des Feindes zerstört und zehn gefangene Kameraden befreit hat. Der muss natürlich umgehend hingerichtet werden. Wo komme man denn hin, wenn solch emotionale, von toxischer Maskulinität getriebenen Kerle die durchschnittlichen Soldaten herabwürdigen, weil sich diese natürlich nie mit solchem Heldenmut messen können.

We can’t have such emotional people demoralising the average citizen.

Währenddessen bemühen sich die Schauspieler redlich, ihr Stück zu Ende zu bringen. Das wird dadurch erschwert, dass inzwischen alle Bühnentechniker der Belagerung zum Opfer gefallen sind. Dann erscheint ein alter Mann (John Neville), der die Aufführung lautstark unterbricht. Er kann nicht mit ansehen, wie sein Leben von ein paar Chargen als Ansammlung von Lügengeschichten dargestellt wird. Der wahre Baron Münchhausen übernimmt die Hauptrolle und erklärt dem Publikum, wie es zu dieser Belagerung durch die Türken kommen konnte. Eine leichtfertige Wette zwischen Baron und Sultan habe den Herrscher der Osmanen um den Inhalt seiner Schatzkammer gebracht.

Wenn so reizende Damen fragen – wie kann man da nicht die Stadt retten wollen?

Letztendlich wird die Aufführung von den Kanonen des Sultans beendet und Horatio Jackson ordnet an, die Theatertruppe solle die Stadt verlassen. Wer mit solchem fantastischen Kokolores die Rationalität untergräbt, hat dort nichts zu suchen. Von den anwesenden Damen und allen voran von der kleinen Tochter des Chefs der Theatertruppe Sally Salt (Sarah Polley in einer frühen Rolle) lässt sich der Baron überreden, doch nicht zu sterben und stattdessen loszuziehen, um seine außergewöhnlichen Diener zu suchen, mit denen er die Belagerung durch den Sultan im Nu beenden kann. Mit einigen hundert Damenschlüpfern und einem Schiff aus der Bühnenrequisite bauen die Schauspieler einen Heißluftballon, und der Baron macht sich auf den Weg zum Mond.

Der Baron und Sally auf dem Weg zum Mond

Münchhausen hat allerdings die Rechnung ohne Sally gemacht, die sich in dem Ballon versteckt hat und dem Baron nun bei seiner Suche nach den Dienern zur Seite steht. Mit ihr zusammen muss er zuerst zum König vom Mond, dessen Frau immer noch dem Charme des Barons verfallen ist, in den Vesuv hinab, wo er mit Venus (Uma Thurman in einer ebenfalls frühen Rolle) anbändelt, und darf nach Sturz durch den Erdkern auch seine letzten Diener finden. Während der Baron bei dem einen oder anderen Flirt gern die Zeit vergisst und zwischendurch sein Interesse am Leben verliert, ist es Sally, die den alten Mann immer wieder an seine Aufgabe erinnert und nicht sterben lässt, bevor er die Stadt nicht gerettet hat. Aber der Tod ist ein ständiger Begleiter des Barons und will nicht ohne dessen Lebenslicht von dannen ziehen.

…any famous last words?

Not yet.

Not yet? Is that famous?

Natürlich kann man „Die Abenteuer des Baron Münchhausen“ vorwerfen, er sei (wie „Time Bandits“) eine Nummernrevue, in der die nettesten Momente der klassischen Lügengeschichten abgehakt werden, aber letztlich ist es Terry Gilliams Fähigkeit zu verdanken, großartige Bilder zu einem bizarren Gesamtwerk zusammenzufügen, dass der Film auch nach dem dritten Schauen immer noch überraschende Details bietet und bei genauerer Betrachtung sogar eine relativ klassische Dramaturgie hat, auch wenn sich der Zuschauer zwischendurch in den Unglaublichkeiten verliert. Die vielen legendären Momente, allen voran der Ritt auf der Kanonenkugel, passieren so überraschend beiläufig, dass sie ihre Schönheit beim ersten Sehen fast untergeht.

I didn’t fly miles. It was more like a mile-and-a-half. And I didn’t precisely fly. I merely held onto a mortar shell in the first instance and then a cannonball on the way back.

Wie so oft bei Gilliam hat man ohnehin das Gefühl, dass der Film immer kurzweiliger wird, je häufiger man ihn sieht. Wirkt die Reise, auf die der Regisseur den Zuschauer mitnimmt, beim ersten Mal etwas planlos und lang, weil man sich zu sehr mit der Frage beschäftigt, wohin die Reise einen führen wird, wird sie von Mal zu Mal schöner und kurzweiliger. Einfach da sitzen und darauf vertrauen, dass das Gezeigte bis zum Abspann noch ein kohärentes Ganzes ergibt, ist bei Gilliam immer ein guter Rat. Eines sei verraten: Am Ende siegt die Fantasie grandios über die Vernunft und über die Realität. Baron Münchhausen ist halt kein Anfänger wie Sam Lowrie aus „Brazil“, dem seine Fantasie nur noch hilft, aus einer unerträglichen Realität zu fliehen. Er ist ein Meister und dadurch, dass er seine Zuhörer und Zuschauer an seine Hirngespinste glauben lässt, werden sie für alle wahr.

He won’t get far on hot air and fantasy.

Terry Gilliam urteilte über die Verfilmung mit Hans Albers, dieser hinge leider Zwanghaftigkeit an: Die Deutschen wollten zeigen, dass sie einen Zwei-Fronten-Krieg führen und trotzdem den aufwendigsten Fantasy-Film ihrer Zeit drehen können. „Die Abenteuer des Baron Münchhausen“ hingegen springt spielend zwischen – fast brutalem – Realismus und der manchmal absurden Schönheit der Fantasiewelten des Barons hin und her. Wenn die türkischen Belagerer die Stadt in Schutt und Asche schießen und die verletzten Einwohner aus den Trümmern geborgen werden, fragt man sich schon, ob man wirklich in einem Familienfilm gelandet ist. Auch der Harem des Sultans ist meilenweit entfernt von den klassischen Darstellungen, die man aus Hollywoods 1001-Nacht-Verfilmungen wie „Der Dieb von Bagdad“ (1940) oder „Sindbads siebente Reise“ (1958) kennt. Man findet man kaum eine Frau, welche den westlichen Schönheitsidealen entspricht. Wohingegen Details wie die Längen- und Breitengrade auf der Erdkugel, auf die der Baron, Sally und sein Diener Berthold (Eric Idle) bei der Rückreise vom Mond herunterfallen, darauf hindeuten, dass sich die Geschichte wohl doch eher im Kopf eines Kindes abspielt, welches letztlich auch die Person ist, welche die Stadt rettet. Terry Gilliam widmete diesen Film seiner Frau und ihren beiden Töchtern, und offensichtlich nimmt er seine Kinder sehr ernst. Die Authentizität der Belagerung bildet einen guten Kontrast für eine fantastische, leichtfüßige Geschichte, die mit dem notwendigen Augenzwinkern erzählt wird, um den größten Lügner aller Zeiten nicht altbacken wirken zu lassen. Zu keiner Sekunde kommt das Gefühl auf, man würde die Geschichte bereits aus der Hans-Albers-Verfilmung kennen.

Ah, the real Baron Munchhuusen!

„Die Abenteuer des Baron Münchhausen“ ist ein wunderscherschönes Abenteuer über die Macht der Fantasie geworden, und man versteht nach der Sichtung gut, weshalb Joanne K. Rowling Terry Gilliam als Regisseur für die Harry-Potter-Verfilmung favorisierte. Allerdings wird an ihm auch deutlich, warum es eine wirtschaftlich sehr vernünftige Entscheidung von Warner Bros. war, Rowling ihren Wunsch zu verwehren. Die Filme wären zweifellos noch atemberaubender und fantasievoller geworden, aber Gilliam ist einfach kein Blockbuster-Regisseur und es ist zu bezweifeln, dass er 2019 bereits den Gefangenen von Askaban befreit hätte.

Der König des Mondes ist nicht gut auf Münchhausen zu sprechen

Die Produktion von „Die Abenteuer des Baron Münchhausen“ war – wie bei fast jedem Terry-Gilliam-Film – von diversen Katastrophen geplagt. Am Ende des Budgets war weder die Szene mit dem König vom Mond gedreht, noch hatte Gilliam den eigentlich für diese Rolle vorgesehenen Sean Connery gewinnen können. Als Ersatz sprang Robin Williams ein, der direkt aus dem Flieger zum Set gebracht wurde, und seine Rolle als geübter Stand-up-Comedian fast komplett improvisierte. Man kann sich gar nicht mehr vorstellen, dass das mal anders geplant war. Wer sich fragt, warum der Film nicht in Willams’ offizieller Filmografie gelistet ist: Im Nachspann steht er als Ray D. Tutto, denn das Geld war verbraucht, Williams spielte gratis und durfte deshalb nicht namentlich genannt werden.

Auch bei Vulkan und Venus hängt dank des alten Charmeurs der Haussegen schief

Die meisten Darsteller empfanden den Dreh als Zumutung. Sarah Polley bezeichnete die Erfahrung als traumatisierendes Kindheitserlebnis. Sie ist übrigens der einzige Grund, weswegen man die Originalfassung der ansonsten außerordentlich guten Synchronfassung vorziehen sollte. Wer sich beklagt, dass dieses Kind in der deutschen Fassung nervt, sollte sich davon überzeugen, dass sie im Englischen ein ganz entzückender Motor für das Voranschreiten der Geschichte ist. Kinder zu synchronisieren, das scheinen die Deutschen überhaupt nicht zu können. Ansonsten macht es auch Spaß, in der englischen Fassung zu hören, auf wie viele verschiedene Arten Engländer den Namen Münchhausen aussprechen können.

It wasn’t just a story, was it?

Von Gilliams altem Monty Python-Kollegen Eric Idle ist die Lebensweisheit überliefert: „Bis zu Munchausen war ich sehr schlau im Umgang mit Terry-Gilliam-Filmen. Sieh sie dir um jeden Preis an, aber sei nie ein Teil von ihnen. Es ist ein verdammter Wahnsinn!“ In einem Interview erklärte Gilliam einmal den Unterschied zwischen Blockbuster-Regisseuren wie Steven Spielberg und Filmemachern wie Stanley Kurbrick: „Meiner Meining nach basiert der Erfolg der meisten Hollywood-Filme in diesen Tagen auf der Tatsache, dass sie tröstlich sind. Sie binden große Fragen in schönen kleinen Päckchen zusammen und geben dem Zuschauer Antworten. Selbst wenn die Antworten dumm sind. Es sind Antworten. Du gehst nach Hause und machst dir keine Sorgen. Die Kubricks dieser Welt, die großartigen Filmemacher lassen Sie nach Hause gehen und darüber nachdenken.“ Terry Gilliam ist definitiv ein Filmemacher, der das Publikum mit Fragen nach Hause schickt. Bei „Das Kabinett des Doktor Parnassus“ (2009) und „The Zero Theorem“ (2013) haben diese Fragen zwar so sehr überhandgenommen, dass sich nur Hardcore-Fans auf ein zweites Sehen einlassen, aber selbst bei „Die Abenteuer des Baron Münchhausen“ gelingt es Gilliam, das Publikum erst mal verwirrt zurückzulassen. Aber vermutlich werden seine Filme deshalb auch von Mal zu Mal schöner, weil sich die Fragen beim zweiten und dritten Schauen entwirren und man sich auf all die vielen Details konzentrieren kann, für die kaum ein Hollywoodproduzent sein Budget rauswerfen will.

Mal wieder hat der Baron sein Leben satt …

Alle bei „Die Nacht der lebenden Texte“ berücksichtigten Filme von Terry Gilliam sind in unserer Rubrik Regisseure aufgelistet, Filme mit Uma Thurman unter Schauspielerinnen, Filme mit Oliver Reed und Robin Williams in der Rubrik Schauspieler.

… und will dem Sultan seinen Kopf schenken

Veröffentlichung: 8. Mai 2008 als 20th Anniversary Edition Blu-ray, 10. April 2008 als 20th Anniversary Edition Doppel-DVD, 1. Oktober 1999 als DVD

Länge: 126 Min. (Blu-ray), 121 Min. (DVD)
Altersfreigabe: FSK 12
Sprachfassungen: Deutsch, Englisch u. a.
Untertitel: Deutsch, Englisch u. a.
Originaltitel: The Adventures of Baron Munchausen
GB/BRD 1988
Regie: Terry Gilliam
Drehbuch: Charles McKeown, Terry Gilliam
Besetzung: John Neville, Eric Idle, Sarah Polley, Oliver Reed, Charles McKeown, Winston Dennis, Jack Purvis, Valentina Cortese, Jonathan Pryce, Bill Paterson, Peter Jeffrey, Uma Thurman, Alison Steadman, Sting, Robin Williams
Zusatzmaterial: Audiokommentar mit Regisseur Terry Gilliam & Ko-Drehbuchautor/Schauspieler Charles McKeown, Wahnsinn & Missgeschicke bei der Produktion, Storyboards, entfallene Szenen, „Willkommen in der fantastischen Welt Münchhausens“
Label/Vertrieb: Sony Pictures Home Entertainment

Copyright 2019 by Lutz R. Bierend

Den Tod vor Augen, begehren die Bewohner gegen ihren Bürgermeister auf

Szenenfotos & Packshot: © 2008 Sony Pictures Home Entertainment

 
 

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Terry Gilliam (III): The Man Who Killed Don Quixote – Was lange währt, wird endlich gut

The Man Who Killed Don Quixote

Kinostart: 27. September 2018

Von Lutz R. Bierend

Tragikomödie // Bewirbt ein Verleih einen Terry-Gilliam-Film mit „Jetzt endlich bald im Kino“, dann steckt da schon ein wenig Ironie drin und im Falle von „The Man Who Killed Don Quixote“ auch eine Menge Wahrheit. Seit fast 30 Jahren brodelt die Gerüchteküche, Terry Gilliam wolle „Don Quixote“ adaptieren. Nach dem Kinostart von „Die Abenteuer des Baron Münchhausen“ (1988) plante er mit dessen Ko-Produzent Jake Ebert die Verfilmung des Klassikers von Miguel de Cervantes. 20 Millionen Dollar sollte der Spaß kosten, aber nachdem Münchhausen völlig zu Unrecht an der Kinokasse gefloppt war und Terry Gilliam erkannt hatte, dass die beiden Bücher von Cervantes mit dem vorgesehenen Budget unmöglich nach seinen Vorstellungen umgesetzt werden konnten, schob er das Projekt auf und drehte er erst einmal „König der Fischer“ („The Fisher King“, 1991), „12 Monkeys“ (1995) und„Fear and Loathing in Las Vegas“, (1998), bevor er sich der Don-Quixote-Geschichte erneut zuwandte. Diesmal mit dem Drehbuch „The Man Who Killed Don Quixote“ welches nicht mehr zur Originalzeit der beiden Bücher spielen sollte.

Tiefflieger und der Hamster-Faktor

Der Regisseur erklärt: „Nachdem ich begriffen hatte, dass ich Don Quixote nicht so verfilmen konnte, wie Cervantes es geschrieben hatte, fragte ich mich, ob ich einen Film machen konnte, der die Essenz von Quixote vermittelte, ohne die Bücher einzubeziehen.“ Die Produktion begann im Jahr Herbst 2000 mit Jean Rochefort und Johnny Depp in den Hauptrollen. Die Crew hatte nicht nur mit einer Springflut zu kämpfen, die einen Großteil der Requisiten zerstörte. Der Lärm von Tieffliegern machte Aufnahmen fast unmöglich, und am fünften Tag musste Jean Rochefort den Dreh abbrechen, weil ihm massive Schmerzen das Reiten unmöglich machten. Dazu sei angeführt, dass Terry Gilliam für den Hamster-Faktor berühmt ist. Das ist (nach der gleichnamigen Dokumentation „The Hamster Factor and Other Tales of Twelve Monkeys“) ein kaum zu bemerkendes und unberechenbares Detail, durch welches bei Gilliam eine zehn-Sekunden-Einstellung ganze Drehtage verschlingend lässt. Bei „12 Monkeys“ ist dieses Detail ein als Schattenriss im Bild kaum wahrnehmbarer Hamster, der einfach nicht in seinem Laufrad rennen wollte, während Bruce Willis eine Blutprobe nimmt. Selbst unter guten Bedingungen ist Terry Gilliam bekannt dafür, dass Drehtage und Budget bei ihm selten innerhalb der Planung bleiben. Kein Wunder also, dass die Produzenten nach so einem Start am sechsten Tag die Reißleine zogen. Die Dokumentarfilmer Keith Fulton und Louis Pepe begleiteten Gilliam bei seinem Höllentrip und erstellten dabei die sehenswerte Dokumentation „Lost in La Mancha“, (2002).

Kurz vor dem Ende ihrer Odyssee: Werbefilmer Toby und „Schuhmacher“ Don Quixote

Acht Jahre dauerte es, bis Gilliam das Drehbuch erneut anfasste und in den folgenden Jahren überarbeitete, weitere neun Jahre, bis die Geschichte am 19. Mai 2018 schließlich die Leinwand von Cannes erreichte und dort zu Recht gefeiert wurde. Nun kommt „The Man Who Killed Don Quixote“ auch hierzulande „bald endlich ins Kino“. Mit Cervantes Originalromanen hat diese Geschichte nichts mehr zu tun, aber das muss ja kein Nachteil sein.

Werbefilmer gerät in Sinnkrise

Erzählt wird die Geschichte des erfolgreichen jungen Werberegisseurs Toby (Adam Driver). Er soll einen Werbespot drehen, in dem Don Quixotes Kampf gegen die Windmühlen beim Verkauf von Versicherungen helfen soll. Budget ist ausreichend vorhanden, um den Spot an Originalschauplätzen in La Mancha umzusetzen. Aber Toby steckt in einer kreativen Krise. Nichts läuft wie geplant. Am Abend sitzt das Team beim Essen, als Toby einen Zigeuner entdeckt, der Raubkopien seines Debütfilms „The Man Who Killed Don Quixote“ verkauft. Der Film war Tobys jugendlich idealistisches Abschlusswerk für die Filmhochschule, welches er in einem kleinen Dorf unweit ihres jetzigen Drehorts realisiert hatte. Er sollte ihm die Tore zur großen Kunst öffnen. Toby gewann damit einen Festivalspreis, und dann klopften die Werbeagenturen an die Tür. Das leichte Geld der Werbung war verführerischer als die schlechte Bezahlung als freischaffender Filmemacher, der wie ein Welles oder Gilliam seine Vision gegen Produzenten und widrige Drehumstände verteidigt. Hier muss Toby nur seinen eigenen #MeToo-Moment ertragen, wenn die Ehefrau Jaci (Olga Kurylenko) seines Geldgebers (Stellan Skarsgård) meint, als Frau vom Boss habe sie ein Anrecht auf sexuelle Befriedigung durch Toby, während sich ihr Mann mit potenziellen Geschäftspartnern beschäftigt.

Ein wenig romantisches Wiedersehen mit Jugendliebe Angelica

Am nächsten Tag verschwindet Toby vom Set und besucht das Dorf, in dem er sein Frühwerk gedreht hat. Alles sieht fast noch aus wie vor Jahren. Der Wirt, dessen Tochter Angelica (Joana Ribeiro) in dem Film mitgespielt hatte, ist alles andere als begeistert davon, Toby zu sehen: Seine Tochter habe sich von dem jungen Mann Flausen über eine Filmkarriere in den Kopf setzen lassen und sei jetzt eine Hure, so berichtet er. Der Sancho-Pansa-Darsteller ist tot, und der alte Schuhmacher (Jonathan Pryce), den sie für die Rolle des Don Quixote gewonnen hatten, hat sich durch die Rolle offensichtlich zu sehr mit den Idealen des Rittertums identifiziert und sein Filmkostüm nie wieder abgelegt. Toby entdeckt den Schuhmacher auf einem Bauernhof, wo er als „der echte Don Quixote“ für die Touristen gefangen gehalten wird, die ihn für ein paar Euro als Attraktion bewundern können. Als Toby auf dem Landgut auftaucht, hält Don Quixote ihn für Sancho Pansa. Im Gerangel mit der Bäuerin, die befürchtet ihre Einnahme zu verlieren, geht der Bauernhof in Flammen auf und Toby flieht.

Wiedersehen mit der Jugendliebe

Am nächsten Tag taucht die Polizei am Set auf. Toby soll zum Polizeirevier gebracht werden, um zu den Vorfällen auf dem Bauernhof auszusagen. Auf dem Weg begegnen sie wieder dem Schuhmacher, der in der Überzeugung Don Quixote zu sein, seinen edlen Sancho Pansa aus den Fängen der Polizei befreit. Es beginnt eine Odyssee, der beiden durch die Landstriche von La Mancha, bei denen er auch Angelica wieder begegnet. Sie ist die Mätresse des russischen Oligarchen Alexei (Jordi Mollà). Keine Hure im eigentlichen Sinne, aber sie hat sich trotzdem kaufen lassen – ein wenig Sex und Erniedrigung für ein Leben im Luxus. Irgendwo ist doch jeder käuflich, selbst Tobys Boss, der große Geschäfte mit Alexei wittert. Toby wird mit vielen Fehlern seines Lebens konfrontiert, und muss sich entscheiden, ob er diese korrigieren will oder sich lieber weiter in die Bequemlichkeit des großen Geldes von Männern wie seinem Boss oder Alexei ergibt.

Gefällt sich in der Rolle als Mann von La Mancha

Hat sich das warten gelohnt? Zugegeben, der einzige Ex-Monty-Python, der nach dem Ende der BBC-Comedy-Serie eine eigene künstlerische Stimme entwickelt hat, macht es seinem Publikum nicht immer einfach. Die meisten seiner Filme weiß man eigentlich immer erst nach dem zweiten Sichten wirklich zu schätzen, wenn man ungefähr weiß, wohin die Reise geht, auf die man mitgenommen wird. Beim ersten Mal zieht Gilliam seine Zuschauer schnell in den Drogenrausch seiner Hauptfiguren, wie in „Fear and Loathing in Las Vegas“, oder lässt sie an ihrem Verstand zweifeln, wie James Cole aus „12 Monkeys“ oder Jack Lukas in „König der Fischer“. Gilliams Filme wirken wie wunderschön komponiertes Chaos, bei dem man – wie in „Brazil“ (1985) deutlich wird – sehr aufpassen muss, um all die kleinen Details mitzubekommen, die aus dem absurden Chaos eine sinnvolle Geschichte machen. Beim zweiten Mal wird es einfacher. Dann kann man sich zurücklehnen und diese Reise in Gilliams aberwitzige Welten genießen. Und jedes Mal entdeckt man neue Details.

Abschluss von Terry Gilliams Fantasie-Trilogie

„The Man Who Killed Don Quixote“ ist ein perfekter Epilog für Gilliams informelle Fantasie-Trilogie, die aus „Time Bandits“ (1981), „Brazil“ und „Die Abenteuer des Baron Münchhausen“ besteht. In dieser hat sich Terry Gilliam mit den unterschiedlichen Entwicklungsphasen der Fantasie beschäftigt. In „Time Bandits“ wird der kleine Kevin durch seine Fantasie in wilde Abenteuer getrieben. In „Brazil“ lernt Sam Lowrie sie zu nutzen, um einer unerträglich gewordenen Realität zu entfliehen. Beim Baron Münchhausen beherrscht der alte Titelheld sie, um eine unerträgliche Realität zu verändern und damit die Belagerung der Stadt durch die Türken zu beenden. Es ist eigentlich auch ein schönes Statement, dass Don Quixote nun vom selben Darsteller wie Sam Lowrie gespielt wird. Der hat jetzt seinen Lehrling gefunden, der ganz dringend lernen muss, seine Fähigkeiten sinnvoller zu nutzen als in der Werbebranche.

Nichts will beim Dreh funktionieren

In „The Man Who Killed Don Quixote“ geht Gilliam erstaunlich freundlich mit dem Zuschauer um. Die Geschichte von Toby bietet gutes Identifikationspotenzial, um bereits beim ersten Mal mitzureißen. Alle, die mit Idealismus in ihr Berufsleben gestartet sind, um etwas Großes zu machen, und dann irgendwann feststellen mussten, dass sich die Miete und der Lebensunterhalt für die Familie schwer mit großen Idealen finanzieren lassen, werden sich schnell angesprochen fühlen. „The Man Who Killed Don Quixote“ weiß diese Melancholie einzufangen, die wir bei der Erkenntnis verspüren, dass wir uns unsere Zukunft ganz anders vorgestellt haben, ohne dabei rührselig oder verzweifelt zu werden. Der Film ermutigt uns, all die wohlmeinenden Zuredner zu ignorieren, welche die Jugendlichen heute gern belehren: „Aber wie willst du dir denn damit mal deinen Lebensunterhalt verdienen oder dir irgendwann einmal etwas leisten?“

Die Schaffenskraft der Verrückten

„The Man Who Killed Don Quixote“ zeigt, welche Kraft in Zielen, Idealen und Utopien steckt – Niederlagen und Prügeln zum Trotz. In dieser Hinsicht hat Terry Gilliam es tatsächlich geschafft, den Geist von Don Quixote großartig auf die Leinwand zu bringen. Um es mit Steve Jobs zu sagen: „Diejenigen, die die Dinge anders sehen — sie halten nichts von Regeln und respektieren den Status quo keineswegs … Du kannst sie zitieren, anderer Meinung sein als sie. Du kannst sie glorifizieren oder sie herabwürdigen, aber das einzige, was du nicht tun kannst ist, sie zu ignorieren, weil sie die Dinge nämlich verändern … Sie bringen die menschliche Rasse weiter und obwohl andere sie als die Verrückten sehen, sehen wir sie als Genies. Denn diejenigen, die verrückt genug sind, zu denken, dass sie die Welt ändern könnten, werden diejenigen sein, die es tatsächlich tun.“

Das klingt so, als hätte Mister Jobs „Don Quixote“ mit Terry Gilliams Augen gelesen. Don Quixote ist tot. Lang lebe Don Quixote.

Alle bei „Die Nacht der lebenden Texte“ berücksichtigten Filme von Terry Gilliam sind in unserer Rubrik Regisseure aufgelistet, Filme mit Olga Kurylenko, Adam Driver und Jonathan Pryce unter Schauspielerinnen bzw. Schauspieler.

Zum Glück findet gerade ein Kostümball statt

Länge: 132 Min.
Altersfreigabe: FSK 12
Originaltitel: The Man Who Killed Don Quixote
SP/BEL/F/POR/GB 2018
Regie: Terry Gilliam
Drehbuch: Terry Gilliam, Tony Grisoni
Besetzung: Adam Driver, Jonathan Pryce, Stellan Skarsgård, Olga Kurylenko, Joana Ribeiro, Óscar Jaenada, Jason Watkins, Sergi López, Jordi Mollà, Paloma Bloyd
Verleih: Concorde Filmverleih GmbH

Copyright 2018 by Lutz R. Bierend

Filmplakat, Fotos & Trailer: © 2018 Concorde Filmverleih GmbH

 

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Stigmata – Friseurin erleidet die Wundmale Christi

Stigmata

Von Volker Schönenberger

Horror // Im brasilianischen Belo Quinto laufen die Beisetzungsfeierlichkeiten von Pater Paulo Alameida. Aus dem Vatikan ist der Jesuitenpriester und Wissenschaftler Andrew Kiernan (Gabriel Byrne) angereist. Im Auftrag von Kardinal Daniel Houseman (Jonathan Pryce) weilt er in Brasilien, um eine Marienerscheinung auf einem Gebäude zu untersuchen und als Illusion zu entlarven. Doch die aus den Augen blutende steinerne Statue der Jungfrau von Guadelupe neben dem aufgebahrten Pater Alameida stellt Kiernan vor ein Rätsel. Alameida gehörte zu jenen Menschen, bei denen ein als Stigmata bekanntgewordenes Phänomen auftrat: blutige Wunden an Händen und Füßen, die als Wundmale Christi und somit religiöses Wunder wahrgenommen werden.

Die junge Friseurin Frankie …

In Pittsburgh erleidet derweil die junge Friseurin Frankie Paige (Patricia Arquette) Unerklärliches: In der Badewanne liegend, werden ihre Handgelenke von einer unsichtbaren Macht durchstoßen wie von dicken Nägeln. Kaum aus dem Krankenhaus entlassen, erhält sie in der U-Bahn von anscheinend derselben Macht unsichtbare Peitschenhiebe verpasst. Da sich unter den Insassen eine Gruppe von Priestern und Nonnen befindet, dringt die Kunde des Ereignisses bis in den Vatikan vor, sodass Andrew Kiernan nach Pittsburgh reist und die völlig unreligiöse Frankie aufsucht.

… muss so …

„Stigmata“ zeigt sich im gleichen düsteren Look, der in den 90ern viele Hollywood-Produktionen auszeichnete, allen voran David Finchers „Sieben“ von 1995, in dem es sogar noch mehr regnet. Und es regnet oft, während sich die Ereignisse um die junge Friseurin zuspitzen. Man sieht „Stigmata“ an, dass Regisseur Rupert Wainwright zuvor Musikvideos inszeniert hat. Die schnellen Bildfolgen der Videoclip-Ästhetik vermischt er gekonnt mit Motiven okkulten Horrors, wie sie seit William Friedkins „Der Exorzist“ (1973) ikonografischen Einzug ins Horrorkino gefunden haben. Die Bilder gehen eine schöne Verbindung mit dem kühlen Score von Billy Corgan (Smashing Pumpkins) ein. Obwohl Frankie die Hauptfigur ist, nehmen die Gedanken und Zweifel von Andrew Kiernan doch breiten Raum ein – der Geistliche will der Kirche treu bleiben, fühlt sich aber auch der Wissenschaft verpflichtet und hadert mit seinem Glauben. Der Ausklang des Films gerät dann auch zwiespältig, je nach Sichtweise. Atheisten wie ich können mit der Kirchenkritik etwas anfangen, mit einer ebenfalls zu bemerkenden religiösen Botschaft vielleicht weniger.

Die Apokryphen und das Thomasevangelium

Die Story bedient sich bei Verschwörungstheorien rund um biblische Schriften, die es nicht in den Kanon der Kirche geschafft haben, den sogenannten Apokryphen. Im konkreten Fall thematisiert „Stigmata“ das Thomasevangelium, nimmt sich dabei aber einige Freiheiten. Das darf ein Film auch, erst recht ein Horrorthriller ohne Anspruch auf Realismus. Wenn das so packend gerät wie bei „Stigmata“, ist das völlig legitim. In der zeitgenössischen Filmkritik der späten 90er kam das nicht gut an. Mittlerweile hat „Stigmata“ unter Fans von Horrorfilmen mit okkulter und religiöser Thematik an Beliebtheit gewonnen – und das zu Recht. Rupert Wainwright allerdings beförderte sich 2005 mit seiner nächsten Kino-Regiearbeit ins Hollywood-Abseits: „The Fog – Nebel des Grauens“, dem völlig missratenen Remake des John-Carpenter-Klassikers von 1980.

… einiges ….

Das Label capelight pictures genießt bei Mediabook-Sammlern einen guten Ruf, den die „Stigmata“-Veröffentlichung bestätigt. Bild und Ton der Blu-ray genügen hohen Ansprüchen, die Aufmachung des Mediabooks ebenfalls. Im schön gestalteten Booklet schreibt „Rheinische Post“-Autor Christoph N. Kellerbach kenntnisreich über die Entstehungsgeschichte des Films. Ein interessantes Kapitel widmet er auch dem realen Auftreten von Stigmen in der Geschichte des Katholizismus.

… durchmachen

Als erster überlieferter Fall des Auftretens der Wundmale Christi gilt der spätere Heilige Franz von Assisi, bei dem sich die Stigmen angeblich im Jahr 1224 zeigten. Das kann man für religiös verbrämten Zinnober halten, für den es logische Erklärungen gibt – ich tu das jedenfalls. Das nimmt „Stigmata“ aber nichts von seiner Wirkung.

Der zur Skepsis neigende Geistliche Andrew Kiernan …

Alle bei „Die Nacht der lebenden Texte“ berücksichtigten Filme mit Jonathan Pryce sind in unserer Rubrik Schauspieler aufgelistet.

Veröffentlichung: 3. November 2017 als 2-Disc Limited Collector’s Edition Mediabook (Blu-ray & DVD), 26. November 2007 als 2-Disc Century3 Cinedition DVD, 30. April 2009, 2. Oktober 2006 und 13. Juli 2000 als DVD

Länge: 102 Min. (Blu-ray), 98 Min. (DVD)
Altersfreigabe: FSK 16
Sprachfassungen: Deutsch, Englisch
Untertitel: Deutsch, Englisch
Originaltitel: Stigmata
USA 1999
Regie: Rupert Wainwright
Drehbuch: Tom Lazarus
Besetzung: Patricia Arquette, Gabriel Byrne, Jonathan Pryce, Nia Long, Thomas Kopache, Rde Serbedzija, Enrico Colantoni, Dick Latessa Portia de Rossi,Patrick Muldoon
Zusatzmaterial: Audiokommentar von Regisseur Rupert Wainwright, Die Story von „Stigmata“, entfallene Szenen, alternatives Ende, Kinotrailer
Vertrieb Mediabook: Al!ve AG
Vertrieb DVDs: Twentieth Century Fox Home Entertainment

Copyright 2017 by Volker Schönenberger

… freundet sich mit Frankie an

Fotos: © 2017 Al!ve AG / capelight pictures

 

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